Rebecca Meanley - Triptych Red Ground and Blue Distemper, 2019

Come interpretare l’arte astratta: una guida per svelarne il significato visivo

L’arte astratta, con le sue forme non convenzionali, il suo simbolismo enigmatico e la sua risonanza emotiva, ha da sempre disorientato e affascinato il pubblico. A differenza dell’arte figurativa, le opere astratte non raffigurano il mondo osservabile in modo chiaramente riconoscibile, ma privilegiano l’atmosfera, il movimento e la metafora. Per chi desidera approfondire la comprensione dell’astrazione, il percorso consiste meno nel trovare risposte concrete e più nell’esplorare possibilità. Questa guida offre strumenti per accostarsi all’arte astratta, suggerendo modi per orientarsi nella sua complessità e coglierne l’essenza.

Contesto: le radici dell’arte astratta

Per apprezzare l’astrazione bisogna innanzitutto comprenderne le origini. L’arte astratta nacque tra la fine del XIX e l’inizio del XX secolo come una rottura radicale con i modi tradizionali di rappresentazione. Influenzata da correnti filosofiche come la teosofia, dalle scoperte scientifiche della fisica e dal rifiuto artistico del realismo, l’astrazione cercava di esprimere l’intangibile. Wassily Kandinsky, spesso considerato un pioniere dell’arte non figurativa, descriveva le sue opere come «musica visiva», privilegiando ritmo, armonia ed emozione rispetto alla narrazione. Questo fondamento spirituale ed emotivo resta ancora oggi centrale nell’interpretazione dell’arte astratta.

L’opera di Leon Spilliaert, come evidenziato nell’articolo di Christy Burdock Christy Burdock on Leon Spilliaert, rappresenta un ponte tra arte figurativa e astratta. Le inquietanti composizioni di Spilliaert sembrano spesso paesaggi della mente, in cui forme semplificate, tavolozze sfumate e un’aura di mistero evocano emozioni. La sua produzione, pur non essendo del tutto astratta, dimostra come l’astrazione possa nascere dal mondo interiore dell’artista anziché da quello esteriore.

Accostarsi all’arte astratta con mente aperta

L’interpretazione dell’arte astratta comincia dall’atteggiamento dello spettatore. A differenza dell’arte tradizionale, che spesso fornisce indizi chiari per l’interpretazione (il ritratto di una donna, un paesaggio pastorale), l’arte astratta invita all’ambiguità. Per coinvolgersi pienamente è essenziale avvicinarsi all’opera senza aspettative preconcette.

Considerate la reazione emotiva che l’opera suscita. Ispira serenità o inquietudine? Evoca ricordi o appare del tutto estranea? L’arte astratta agisce spesso su un registro emotivo, e le nostre prime impressioni offrono spesso indizi sul suo significato.

Ad esempio, i color field di Mark Rothko possono sembrare ingannevolmente semplici: blocchi di colore su una tela. Eppure il gioco delle tonalità e le sottili sfumature del suo lavoro producono un profondo impatto emotivo. Più a lungo si guarda, più gli strati si rivelano. Un simile approccio contemplativo è fondamentale per coglierne la profondità.

Forma, colore e composizione: un linguaggio a sé

L’arte astratta si fonda in larga misura sull’interazione degli elementi formali: linea, colore, texture e composizione. Questi elementi funzionano come un linguaggio, che trasmette significato attraverso relazioni visive anziché rappresentazioni letterali.

• Colore: Considerate la risonanza emotiva o simbolica dei colori. In molte tradizioni il blu è associato alla tranquillità, il rosso alla passione e il giallo all’energia. Gli artisti astratti giocano spesso con queste associazioni per suscitare reazioni specifiche. Le opere di Joan Miró, per esempio, impiegano colori primari vivaci per creare atmosfere giocose e oniriche, mentre le composizioni suprematiste in bianco e nero di Kazimir Malevich trasmettono austerità e rigore intellettuale. Vedi Joseph Albers by Helen Brough

• Forma: Prestate attenzione alle forme presenti nell’opera. Sono geometriche, organiche o del tutto amorfe? La loro disposizione può suggerire movimento, tensione o equilibrio. Artisti come Piet Mondrian usarono l’astrazione geometrica per esplorare l’ordine e l’armonia universale, mentre le forme fluide, quasi casuali, di Helen Frankenthaler parlavano di spontaneità e dello scorrere del tempo.

• Texture e superficie: Anche la materialità di un’opera (il modo in cui il colore è steso, o in cui la superficie di una scultura interagisce con la luce) può comunicare significato. Una superficie ruvida, a impasto, può suggerire dinamismo o conflitto, mentre texture lisce e levigate evocano spesso serenità.

• Composizione: La disposizione degli elementi sulla tela o nello spazio della scultura è un ulteriore livello di interpretazione. La composizione è equilibrata o volutamente caotica? Ci sono punti focali, oppure l’occhio è libero di muoversi? La collocazione di forme e colori guida spesso il percorso dello spettatore nell’opera, proprio come le costruzioni spaziali di Spilliaert ci conducono nei suoi mondi introspettivi.
  
  

Considerare l’intento dell’artista e il contesto

Comprendere il contesto in cui un’opera è stata creata può offrire spunti preziosi. Quali fattori culturali, politici o personali hanno influenzato l’artista? A quale movimento o filosofia si ricollega l’opera? Sebbene l’arte astratta incoraggi l’interpretazione personale, questa si arricchisce spesso della conoscenza delle intenzioni dell’artista.

Si considerino le differenze tra l’astrazione gestuale di Jackson Pollock e la precisione minimalista di Agnes Martin. I dinamici dipinti a «dripping» di Pollock catturano la fisicità e la spontaneità della loro creazione, incarnando l’energia caotica dell’America del dopoguerra. Martin, al contrario, creò griglie meditative che riflettono la sua ricerca di quiete spirituale. Entrambi richiedono una chiave di lettura diversa, plasmata dalle intenzioni dei loro autori.

Nell’opera di Spilliaert, come evidenziato nella riflessione di Aleph Contemporary, la dimensione personale e quella esistenziale spesso si scontrano. Le sue tavolozze notturne e le sue figure solitarie esprimono un dialogo interiore, quasi surrealista, con il sé. Riconoscere questi temi ci permette di apprezzare la singolare sovrapposizione di narrazione e astrazione nella sua pratica.

Partire dalla propria esperienza

Forse l’aspetto più appagante dell’arte astratta è la sua capacità di coinvolgere l’immaginazione e l’esperienza personale dello spettatore. A differenza dell’arte figurativa, che spesso orienta l’interpretazione, l’astrazione crea uno spazio per il significato individuale.

Chiedetevi:

• Che cosa mi ricorda quest’opera?
• Che cosa mi fa provare?
• I colori, le forme o le texture evocano ricordi o associazioni?

Questo rapporto dialogico tra spettatore e opera è l’essenza dell’astrazione. Il significato di un’opera astratta non è statico, ma evolve a ogni incontro, plasmato dalle percezioni e dalle emozioni dello spettatore e persino dal contesto in cui l’opera viene vista.

Il ruolo del tempo e della ripetizione

Vale la pena notare che l’arte astratta spesso si rivela col tempo. Le impressioni iniziali possono cambiare quando si torna a vedere l’opera o la si osserva in condizioni diverse. Alcune opere, come quelle di Spilliaert o di Rothko, ripagano un’osservazione prolungata, lasciando emergere sottili sfumature.

Inoltre, vedere una serie di opere dello stesso artista o dello stesso movimento può approfondire la comprensione. Schemi, motivi ricorrenti e stili in evoluzione offrono indicazioni sulle preoccupazioni e sui metodi dell’artista, creando un quadro interpretativo più ricco.

L’arte astratta come conversazione aperta

In definitiva, l’interpretazione dell’arte astratta è un processo continuo e condiviso tra artista e pubblico. Sebbene il contesto storico, l’analisi formale e la risonanza emotiva contribuiscano tutti alla nostra comprensione, non esiste una risposta definitiva. L’arte astratta ci invita a pensare, sentire e immaginare in modi che sfidano i confini convenzionali, offrendo un linguaggio visivo fluido e vasto quanto i nostri mondi interiori.

Quando ci troviamo davanti a un dipinto di Kandinsky, a una scultura di Barbara Hepworth o persino alle misteriose composizioni semi-astratte di Leon Spilliaert, non stiamo semplicemente guardando: stiamo dialogando. L’arte astratta non è sempre facile da interpretare, ma proprio qui risiede il suo potere duraturo: ci chiede di partecipare, di interrogarci e di creare da noi un significato.