جماليات السحر في الفن التجريدي | من 10 أكتوبر 2022 إلى 15 مارس 2023
نص Ben Street. معرض في نادي The In & Out، 4 St James's Square، لندن SW1Y 4JU
NINA DOLAN، LAURENCE NOGA، GORDON DALTON، REBECCA MEANLEY،
HENRY WARD، MARK WRIGHT ولأول مرة CHARLOTTE WINIFRED GUÉRARD
جماليات السحر في الفن التجريدي
نص Ben Street
من الأمور التي ورثناها عن ثقافة القرن الماضي فكرة أن الفن إما هذا أو ذاك: تجريدي أو تشخيصي. ومن الغريب اليوم أن نفكر في عدد المسيرات المهنية التي قامت على الاقتراب من أحدهما أو الابتعاد عنه، وفي حجم ما كان معلّقاً على ذلك. ومن الغريب أيضاً أن تحتفظ هذه الثنائية الظاهرية برواجها حتى الآن في كثير من الخطاب المحيط بفن عصرنا. لكن جولة قصيرة في جناح Sainsbury في National Gallery – وهو من أفضل الأماكن لرؤية الرسم بوصفه كائناً حياً جامحاً – تكفي لنشهد انهيار هذه الثنائية أمام أعمال تمزج بسعادة بين مساحات من الهندسة المسطحة والطيات العميقة لثوب. واسترشاداً بدروس هذه الأعمال، لنتمسك باللوحات بوصفها أحداثاً هجينة غير نقية على نحو فريد، تقع في عالم الأشياء العادي وخارجه في آن. أي في عالم التشخيص و التجريد: كليهما معاً، طوال الوقت.
إذن، فاللوحات المعروضة هنا، وإن كانت تومئ إلى لغة صيغت في زمن كان فيه الرجال رجالاً واللوحات التجريدية لوحات تجريدية، بل وتستعير منها، ينبغي حقاً أن يُنظر إليها خارج أنماط التفكير الحداثية في الأعمال الفنية. فالرسم التجريدي الغربي – ولنكن واضحين منذ البداية: لم يُخترع الفن التجريدي في أوروبا ولا خلال القرنين الأخيرين، بل هو نمط قديم يمتد إلى أعمق جذورنا – نشأ جزئياً لإظهار ما لا يمكن إظهاره: كالتواصل الروحي مثلاً، أو السياسي. لكن اللوحات هنا مادية بلا لبس، تنتمي إلى عالم البصر واللمس. وميتافيزيقاها، إن وُجدت، تأتي عبر لقاء مع العالم كما يُعاش جسدياً. وبهذا تضيء مساراً عكسياً في تاريخ الفن يتوقف مثلاً عند العوالم الجسدية لدى Willem de Kooning وCecily Brown، والمناظر الحالمة لدى Joan Mitchell وGrace Hartigan، والهندسات الكولاجية لدى Lygia Clark وVladimir Tatlin، بل والانغماسات الكلية لدى Georgia O'Keeffe. يمكنك أن تصوغ تاريخك الخاص، لكن الفكرة تبقى: هذه اللوحات تؤكد شيئاً، مهما كان ذلك بهدوء – أن الرسم، أياً كان موضوعه، ينتمي دائماً وقبل كل شيء إلى العالم الذي نتشاركه.
بحكم طريقة عرضه وطبيعة سياقه، يدعو هذا المعرض إلى تأمل مطوّل في كل عمل على حدة، بدلاً من قراءته كياناً واحداً متماسكاً. ومع ذلك، ثمة خيوط يمكن استخلاصها من ممارسة كل فنان وإنتاجه. فأعمال Mark Wright وLawrence Noga وCharlotte Guérard مثلاً تؤطّر الرسم بوصفه فعلاً لصنع الفضاء. وتُبرز أعمال Rebecca Meanley وNina Dolan عملية وضع الطلاء على السطح وما يترتب عليها من سلوك. أما Henry Ward وGordon Dalton فيلعبان عند حواف الوصف، وبذلك يجسّدان عناد الرسم بوصفه وسيطاً وقدرته على أن يكون أشياء كثيرة في آن. وما يفعله هؤلاء الفنانون جميعاً هو جعل لوحاتهم نقاط تماس بين نوعين من التجربة: تجربة الصانع وتجربة المشاهد.
اللوحات تصنع الفضاء دائماً. وهذا صحيح حرفياً، إذ تشغل حيزاً مادياً في صنعها وفي تلقيها، وتكرر في شكلها هيئة الجدار المعلّقة عليه؛ لكنه صحيح مجازياً أيضاً: فضربات الفرشاة، بفضل التنوعات الكثيرة في سلوك السوائل والمواد الصلبة، تستحضر عمقاً مكانياً حقيقياً من دون عناء. تجمع Charlotte Guérard ذخيرة من الأداءات التصويرية – ضربات جافة قصيرة وأخرى سائلة منسابة – مع لوحة ألوان شاحبة متقاربة، فتولّد بذلك إحساساً بفضاء حقيقي. ففي الأثر المكاني للطلاء بحد ذاته يطفو شيء جوهري في الوسيط: فالملمس والدرجة اللونية يقومان مقام الأرض التي عُبرت. والرسم مرتبط دائماً بأفعال التذكر، ولا سيما رسم المناظر الطبيعية الذي كثيراً ما يُنجز على مسافة زمنية وجغرافية مما يصوّره، والأماكن التي تستحضرها أعمال Guérard ليست مرئية بقدر ما هي مستدعاة إلى الذهن. المهم هنا هو الوقع الوجداني للمكان لا حدوده. ويحدث أمر مشابه في لوحات Mark Wright. فباستخدام مزيج من مصادره الفوتوغرافية الخاصة وذكرى مكان زاره (عادةً بيئات ريفية في Worcestershire وNorthumberland والنرويج واسكتلندا)، تجسّد لوحات Wright انبعاثات الذاكرة؛ وكما في أعمال Guérard، فإن أداء الطلاء بوصفه مادة هو ما يتيح للأعمال بناء انطباعها عن فضاء سكنه جسد ذات يوم. (فالجسد هو الذي يتذكر، لا العقل وحده.) وتجسّد تأثيرات سطحية متنوعة (علامات طباشيرية أقرب إلى الرسم بالخطوط، وبرك منحسرة من لون عضوي) الطريقة التي يستقر بها المنظر في الذاكرة: سلسلةً من الومضات أو اللمحات، ولحظات من الحيرة أو الدهشة، وأحاسيس حادة متشابكة مع لحظات من الكسل أو الغياب. والضوء دائماً: مرئياً، متذكَّراً، مستعاداً.
ويحدث أمر مشابه في لوحات Gordon Dalton، التي تصوّر المنظر الطبيعي بوصفه شيئاً ينزلق داخل المقياس وخارجه. لوحاته لأماكن مرغوبة أو متخيلة، تنحني منظوراتها وتنضغط وفقاً لتلك الرغبات أو التخيلات. ففي Graveyard Sun تتراكم بقع من لون مُسكر حتى السماء، راسمةً حدود رحلة ربما لم تحدث قط؛ والأثر يكاد يكون سردياً، لكنه ليس كذلك تماماً. وأشكال الأشياء، المعروضة كأنها تُرى بطرف العين، تلتوي وتتشوه حين يُنظر إليها عن قرب. والمسار المتعرج الذي تسلكه عيناك يشبه انجراف عقل شارد متعثر، تائه في نشوة. أما تركيبات Lawrence Noga فتبني الذاكرة المكانية من مادة الحاضر، مازجةً مواد عُثر عليها بأسطح تصويرية لخلق أثر بصري متقطع ومتعثر. ويجعل التفاوت في الحركة البصرية، بين الخطو الواسع والتلعثم، أعمال Dalton وNoga كاشفةً كلٌّ منها للأخرى. أمعن النظر في أحد أعمال Noga فتدب الحياة في إيقاعاته المتقطعة؛ هندسات معتمة من لون صلب تلتقي بحواف مصنوعة يدوياً بحنو. وبالتنقيب في تاريخ عائلته، يستخرج Noga فضاءات للأداء والعمل (كانت والدته تغني في نوادي الجاز، وكان والده يعمل في مطعم Caprice)، ويستحضر شحنة ذلك اللقاء عبر جمالية كولاجية ترفض أن تحسم نفسها: إنها تحدث دائماً.
ثمة قرابة كولاجية ما في لوحات Nina Dolan. فالتأمل المتواصل في أسطحها يكشف نوعاً من التاريخ الداخلي، حيث يخلق اللون المتراكب والأشكال المقصوصة أثر بنية جيولوجية، نوعاً من الزمن السحيق. وعناوينها – Egyptian Deities، The Nile at Night – توحي كذلك بنمط عتيق، بعناصر عمودية كالطواطم، تنكشف نصف انكشاف عبر عمليتها القائمة على الإضافة والحذف. واستخدامها لألوان الشمع الساخن، المعروفة خصوصاً من أعمال Jasper Johns في منتصف الخمسينيات لكنها ظهرت أولاً في مصر الرومانية، يضعها في سياق تاريخي غير محدد يشبه عوالم Dalton المترنحة. تذكّرنا أعمال Dolan بأن أغراض الرسم تتجلى في العملية – ما يُدفع الرسم إلى فعله وما يقرر فعله رغم ذلك. وتصبح هذه الزمنية مرئية في أعمال Rebecca Meanley. فالإيماءات المطبقة بمادة رابطة مائية تبقى شبه شفافة، تصبغ ما يجاورها وتبني حضورها المكاني الخاص، أشبه قليلاً بالكثافة الغيمية النصفية لدى Jackson Pollock. وبذلك يغدو تاريخ صنعها تجربة مكانية: زمناً صار مرئياً. وعمليتها اللاحقة في المحو والطمس شكل مما تسميه الفنانة «اللارسم»، إذ تعكس الحركة الأمامية للإيماءة بإزالة الطلاء، فتنكشف أجزاء كانت مخفية حتى ذلك الحين. وبهذا المعنى، لا تتعلق الممارسة في المرسم بإنجاز اللوحة بقدر ما تتعلق بعملية تأمل ذاتي وتصحيح وتحليل؛ فالوقت المبذول في الصنع وقت إنساني في نهاية المطاف، وهذا ما يجذب لوحاتها إلى دائرة تجربتنا المشتركة. ويصبح هذا الزمن الإنساني مولِّداً في لوحات Henry Ward. فلوحتا Ash و Sunday نسختان أعيد العمل عليهما من لوحات أقدم بقيت في مرسمه عامين، غير محسومة أو غير محددة بطريقة ما. وكما لدى Dolan، تقوم عمليته في هذا العمل على المحو والكشف، مستخدماً اللوحة الموجودة – التي صنعتها بطبيعة الحال نسخة سابقة منه – منطلقاً لقرارات جديدة تُتخذ في الحاضر. ويتيح هذا التوتر بين لحظات الزمن لـWard أن يُدخل في عمله فكرة المرسم بوصفه مكاناً لا للفعل والإنتاج فحسب، بل للتأمل وإعادة الترتيب أيضاً، للفعل ونقيضه معاً. وإذا كان الموضوع الحقيقي لأي من هذه اللوحات هو الزمن الإنساني – زمن الصنع وزمن المشاهدة – فإن هذه الأعمال تجسّده، متخيلةً العمل الفني بداية حوار بين علامات على القماش وما وراءها، في ذهن الناظر، ثم عودةً إلى العالم الذي جاءت منه.
~ Ben Street
Ben Street مؤرخ فني وكاتب يعيش في لندن.
