Alastair Gordon

«Il mio lavoro nasce da un travolgente senso di gioia per le difficoltà della pittura: ciò che la pittura può ottenere e il modo in cui può sollevarci dai detriti della vita quotidiana.» 

Caratterizzati da una sintesi immaginativa e senza pari di semplicità e complessità, gli straordinari dipinti trompe l'oeil di Alastair Gordon trasformano comuni oggetti di carta in vignette di memoria, studio ed evocazione. Elementi come nastro adesivo, vecchie fotografie, ritagli di carta e altri materiali effimeri vengono disposti e dipinti in uno stile fortemente realistico. In queste immagini sottilmente costruite c’è anche un senso di astrazione pittorica, che rende lo stile di Gordon diverso da quello di qualsiasi altro pittore. 

L’artista parte da piccole nature morte realizzate in studio. Disegna ogni giorno ed è particolarmente interessato a osservare quelli che chiama i detriti della vita quotidiana: cartoline, aeroplanini di carta e taccuini. Questi oggetti custodiscono tracce di storie passate e, al tempo stesso, l’illusionismo funziona come strumento di coinvolgimento, invitando lo spettatore a tornare sul piano del quadro e a godere dell’abilità, del colore e della profondità. Per i suoi oli su tavola l’artista dipinge questi oggetti in bassorilievo, così che sembrino fissati con puntine o nastro su una superficie di legno. Osserva che il suo approccio è in parte influenzato dalla pittura illusionistica nordeuropea del Seicento e in particolare dal «Quodlibet – ciò che vuoi».

Da parte sua, Gordon usa la propria forma contemporanea di pittura trompe l'oeil per affrontare questioni attuali come «la falsificazione, l’illusionismo e il modo in cui le immagini plasmano il nostro modo di pensare nella società. Storicamente i generi della natura morta parlavano della mortalità e della natura effimera della bellezza. Oggi tendiamo a trovare difficile parlare di questi temi, ed è in parte per questo che amo tanto lavorare sulla natura morta. È un modo per aprire una conversazione sulle grandi questioni della bellezza, della morte e della sacralità della vita. C’è un momento bellissimo in cui le persone si accorgono di guardare un’illusione dipinta – una specie di momento ‘Aha’ – che le spinge a guardare una seconda volta.»

Le fonti dell’artista sono numerose e affascinanti. Oltre ai legami con la pittura di genere e la tradizione della natura morta dell’Europa del Cinquecento e del Seicento, ricorda di aver lavorato da adolescente in un parco a tema, Camelot, nel Lancashire, dipingendo sulle pareti della mensa murali trompe l’oeil di antichi castelli e paesaggi pastorali. «Erano una sorta di versione del folklore inglese più mito che realtà, ciò che Umberto Eco definisce iperrealtà (un falso autentico). Deve avermi colpito molto, perché da allora sono ossessionato da questa idea del falso autentico.» Durante il master Gordon ha visitato anche parchi a tema americani come The Holy Land Experience a Orlando. «Ogni pomeriggio alle tre Gesù viene crocifisso su una croce di plastica, servono cupcake ‘sweet Jesus’ e poi lui risorge sul sellino posteriore di una Harley Davidson. Ho dipinto questi parchi a tema, e ne è nata l’ossessione di trovare la cosa autentica.» Altre ispirazioni ancora vengono dalla letteratura, dal cinema e dalla musica. «I miei titoli sono spesso presi da testi di canzoni o da poesie. I riferimenti vanno da ‘The Wasteland’ di T.S. Eliot a Ferris Buellers Day Off. Per me sono tutti collegati e contribuiscono a formare il ricco arazzo – o Quodlibet – della vita moderna.» 

Rosa JH Berland

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