FIELD NOTES – A CURA DI ANDREW HEWISH | 20 ott 2022 - 2 dic 2022

Field Notes

La mostra di Aleph Contemporary, Field Notes, esplora le risonanze tra le opere degli artisti Anna van Oosterom, Jacopo Dal Bello e Andrew Hewish. Le note di campo sono osservazioni registrate «sul campo». Queste opere sono sondaggi del nostro tempo: saccheggiano fonti usando il linguaggio del collage per produrre un collage di linguaggi, scritti e visivi. Offrono allo spettatore un mondo aperto e intrigante: conversazioni ascoltate in metropolitana, testi ritagliati da grandi riflessioni, glifi e numeri caduti dal quotidiano, segni dei maestri e pezzi di tela cuciti insieme.

Questi elementi vengono riplasmati in opere visive sorprendenti, liriche nelle loro associazioni, che parlano una lingua nuova a partire da quella antica. Queste opere offrono allo spettatore un incontro vitale: osservazioni del nostro mondo che, attraverso irruzioni di linguaggio in collage, aprono uno spazio di gioco lirico, generativo e ricco di possibilità. Se alcune opere in mostra nascono da osservazioni dirette, registrazioni o sensazioni in situ – richiamando la pratica en plein air –, ciò che le unisce è il gioco del linguaggio, l'uso del collage e il campo condiviso di quel gioco nel rettangolo.

Van Oosterom allestisce una scena per lo spettatore, un trattamento filmico che utilizza il trasferimento di immagini fotografiche raccolte una a una sulla pagina. Questi mondi sono costruiti lentamente e con cura in risposta a un testo specifico. Invece di accumulare ritagli incollati, van Oosterom dedica tempo, nello spirito di Rauschenberg, a trasferire amorevolmente l'inchiostro o a strofinare la carta su cui poggia l'immagine presa in prestito, così che questa resti sulla pagina come una presenza spettrale ed effimera. Non sono illustrazioni, ma seguono una logica interna, sentita. Non sono qui per essere decodificate logicamente: la dissonanza tra testo e immagine fluttua liberamente. Eppure sono parole potenti, raccolte ascoltando conversazioni nella metropolitana di New York. Parole colte al volo nella fretta del pendolarismo – frammenti ascoltati per caso e custoditi da van Oosterom per un uso futuro. Sono le parole di viaggiatori sconosciuti, trascritte alla lettera e qui dotate di nuova vita. L'effetto è quello di guardare un curioso film in una lingua sconosciuta, in cui i sottotitoli approfondiscono le ombre invece di illuminarle. Sono i drammi privati di estranei resi estranei.

Dal Bello, che attualmente vive e lavora a Berlino, è stato studente nel corso di Hewish intitolato «The Multivalent Line», in quella che allora era la Sir John Cass School di Londra. Fu lì che iniziò a sviluppare il saccheggio di una varietà di espedienti che è diventato il suo stile maturo. L'opera è letteralmente cucita: segmenti diversi vengono uniti per formare il fondo su cui poggiano pittura, matita, trasferimenti e inserti incollati. È una pittura su un terreno incerto ma piacevole. Ha reso letterale il processo di «sutura», per cui gli elementi suscitano significato o narrazione in virtù della loro vicinanza. L'instabilità tra coerenza e non coerenza del collage è qui sfruttata da Dal Bello, accentuata dalla dinamica tra i suoi episodi disegnati o pittorici e lo spazio vuoto delle composizioni. Allusioni tangenziali alla teoria del linguaggio, alla storia dell'arte e a forme di notazione grafica sono i mattoni del lavoro di Dal Bello: un dettaglio di un marchio commerciale, intensi segni a matita o un'immagine presa in prestito. Gli scarabocchi di Twombly o le macchie di Bacon: individuare questi prestiti che acquistano nuova vita può diventare un gioco piacevole davanti alle opere di Dal Bello. Le opere raggiungono una sintesi distintiva nel loro equilibrio tra il linguaggio libero del disegno e il mondo del quadro.

La serie «One Liners» di Hewish rende esplicito già nel titolo un interesse per la linea nel contesto del disegno e suggerisce un registro umoristico: come nel lavoro di van Oosterom, la riga di testo è estratta dal suo contesto originale per fluttuare più liberamente e misteriosamente accanto all'immagine. Se queste opere formano una documentazione del mondo che richiama un codice, un'enciclopedia o una voce d'archivio, lo fanno per una forma di conoscenza che resta velata. Il taglio specifico della riga accentua una visione assurda, e si crea una confusione visiva tra il fondo a inchiostro e grafite e gli inserti di fotogrammi. Hewish lavora per serie, all'interno di una pratica pittorica concettuale attenta al luogo, o alle particolarità ed esigenze del periodo in cui le opere vengono prodotte. In ogni serie si stabilisce un linguaggio visivo distinto. Quanto alle altre opere qui presentate, Hewish è stato colpito, come il mondo intero, dalla forza degli eventi esistenziali del 2022. Anziché costituire un ostacolo alla creazione artistica, questi eventi sono stati un trampolino per queste opere, sull'esempio di Monet nel 1916-17. Monet realizzò le sue monumentali Ninfee mentre il figlio combatteva a otto chilometri di distanza nella terribile guerra di trincea della Prima guerra mondiale. In risposta, Monet creò opere piene di gioia che avrebbero poi fondato il linguaggio gestuale della pittura americana del dopoguerra, dopo che alcune

di queste opere furono esposte negli Stati Uniti. Questo informa il lavoro: il peso dei momenti storici e la presenza che i gesti di Monet mantengono nelle possibilità della pittura. L'opera di Monet immagina la parte migliore di noi stessi in un mondo difficile. La pratica di Hewish cerca infatti di produrre opere che si collocano consapevolmente tra la pittura in quanto tale e l'esperienza.

Sono note di campo per il nostro tempo. La domanda su che cosa significhi registrare il mondo artisticamente trova qui risposta in forme nuove di notazione che riecheggiano la nostra presa lirica sulla natura dell'esperienza. Queste opere non sfidano il significato quanto ne ampliano lo spazio, come solo l'arte sa fare. La funzione lirica delinea qui una corrispondenza con la nostra esperienza del mondo più profonda di quella di un feed sui social media. La logica dell'immagine, ma non dell'illustrazione, restituisce qualcosa della parte migliore di noi stessi, al di là di ciò che esigono la tecnologia, un selfie o il testo predittivo delle nostre vite. In queste opere il linguaggio – visivo e testuale – è manipolato come materia prima, nel modo in cui un pigmento può essere macinato e mescolato nello studio del pittore. Il materiale d'archivio campionato crea un attrito tra il presente e il passato, e tenere questi elementi disparati del collage in sospensione fa parte della carica dell'opera per lo spettatore.

Il lavoro dei tre artisti qui riuniti offre allo spettatore un incontro vitale: sondaggi del nostro mondo che, attraverso irruzioni di linguaggio in collage, aprono uno spazio di gioco lirico, generativo e ricco di possibilità.

~ Andrew Hewish