FIELD NOTES – COMMISSARIAT D'ANDREW HEWISH | 20 oct. 2022 - 2 déc. 2022
Field Notes
L'exposition d'Aleph Contemporary, Field Notes, explore les résonances entre les œuvres des artistes Anna van Oosterom, Jacopo Dal Bello et Andrew Hewish. Les notes de terrain sont des observations consignées « sur le terrain ». Ces œuvres sont des sondages de notre époque : elles pillent leurs sources en usant du langage du collage pour produire un collage de langages, écrits et visuels. Elles offrent au spectateur un monde ouvert et intrigant : conversations surprises dans le métro, textes découpés dans de grandes méditations, glyphes et chiffres tombés du quotidien, traces des maîtres et morceaux de toile cousus ensemble.
Ces éléments sont refondus en œuvres visuelles saisissantes, lyriques dans leurs associations, qui parlent une langue nouvelle tirée de l'ancienne. Ces œuvres offrent au spectateur une rencontre essentielle : des observations de notre monde qui, par des irruptions de langage en collage, ouvrent un espace de jeu lyrique, génératif et riche de possibles. Si certaines œuvres de l'exposition naissent d'observations, d'enregistrements ou de sensations in situ – rappelant la pratique de la peinture en plein air –, ce qui les relie, c'est le jeu du langage, l'usage du collage et le champ commun de ce jeu dans le rectangle.
Van Oosterom plante un décor pour le spectateur, un traitement filmique fondé sur le transfert d'images photographiques assemblées une à une sur la page. Ces mondes sont construits lentement et soigneusement en réponse à un texte particulier. Plutôt que d'accumuler des découpages collés, van Oosterom prend son temps, dans l'esprit de Rauschenberg, transférant amoureusement l'encre ou frottant le papier qui porte l'image empruntée, si bien que celle-ci demeure sur la page comme une présence fantomatique et éphémère. Ce ne sont pas des illustrations : elles suivent une logique interne, ressentie. Elles ne sont pas là pour être décodées logiquement ; la dissonance entre texte et image flotte librement. Ce sont pourtant des mots puissants, recueillis en écoutant des conversations dans le métro new-yorkais. Des mots saisis au vol dans la cohue des trajets quotidiens – des bribes entendues et précieusement gardées par van Oosterom pour un usage ultérieur. Ce sont les mots de voyageurs inconnus, notés mot pour mot et dotés ici d'une vie nouvelle. L'effet est celui d'un film étrange dans une langue inconnue, dont les sous-titres approfondissent les ombres plutôt qu'ils ne les éclairent. Ce sont les drames privés d'inconnus rendus étranges.
Dal Bello, qui vit et travaille actuellement à Berlin, a été l'étudiant de Hewish dans l'atelier intitulé « The Multivalent Line », à ce qui était alors la Sir John Cass School de Londres. C'est là qu'il a commencé à développer ce pillage d'une variété de procédés devenu son style de maturité. L'œuvre est littéralement cousue : différents segments sont assemblés pour former le fond sur lequel reposent la peinture, le crayon, le transfert et les éléments collés. C'est une peinture sur un terrain incertain mais plaisant. Il a rendu littéral le processus de « suture », par lequel des éléments suscitent sens ou récit du fait de leur proximité. L'instabilité de la cohérence/non-cohérence du collage est exploitée ici par Dal Bello, accentuée encore par la dynamique entre ses incidents dessinés ou picturaux et l'espace vide des compositions. Des clins d'œil obliques à la théorie du langage, à l'histoire de l'art et aux formes de notation graphique sont les éléments constitutifs de son travail : un détail de marque commerciale, d'intenses traits de crayon ou une image empruntée. Les gribouillis de Twombly ou les taches de Bacon : repérer ces emprunts qui prennent une vie nouvelle peut devenir un jeu plaisant devant l'œuvre de Dal Bello. Les œuvres atteignent une synthèse singulière dans leur équilibre entre le langage libre du dessin et le monde du tableau.
La série « One Liners » de Hewish rend explicite dans son titre un intérêt pour la ligne dans le contexte du dessin et suggère un registre humoristique : comme chez van Oosterom, la ligne de texte est extraite de son contexte d'origine pour flotter plus librement et plus mystérieusement à côté de l'image. Si ces œuvres forment une documentation du monde évoquant un codex, une encyclopédie ou une entrée d'archive, c'est au service d'une forme de savoir qui reste voilée. La coupe précise de la ligne accentue une vision absurde, et une confusion visuelle s'installe entre le fond à l'encre et au graphite et les inclusions de photogrammes. Hewish travaille par séries, dans le cadre d'une pratique picturale conceptuelle attentive au lieu, ou aux particularités et exigences de la période où les œuvres sont produites. Un langage visuel distinct s'établit dans chaque série. Quant aux autres œuvres présentées ici, Hewish a été frappé, comme le monde entier, par la force des événements existentiels de 2022. Loin d'être un obstacle à la création, ces événements ont servi de tremplin à ces œuvres, à l'exemple de Monet en 1916-1917. Monet réalisa ses monumentales Nymphéas alors que son fils combattait à huit kilomètres de là dans les terribles tranchées de la Première Guerre mondiale. En réponse, Monet créa des œuvres pleines de joie qui allaient établir le langage gestuel de la peinture américaine d'après-guerre, après que certainesde ces œuvres furent montrées aux États-Unis. Cela nourrit le travail : le poids des moments historiques et la présence que les gestes de Monet conservent dans les possibilités de la peinture. L'œuvre de Monet envisage la meilleure part de nous-mêmes dans un monde difficile. Car la pratique de Hewish cherche à produire des œuvres qui se situent consciemment entre la peinture en tant que telle et l'expérience.
Ce sont des notes de terrain pour notre temps. La question de ce que signifie consigner le monde de manière artistique trouve ici réponse dans des formes nouvelles de notation qui font écho à notre emprise lyrique sur la nature de l'expérience. Ces œuvres ne défient pas tant le sens qu'elles n'en élargissent l'espace, comme seul l'art sait le faire. La fonction lyrique esquisse ici une correspondance plus profonde avec notre expérience du monde que ne le ferait le fil d'actualité d'un réseau social. La logique de l'image, mais non de l'illustration, restaure quelque chose de la meilleure part de nous-mêmes, au-delà de ce qu'exigent la technologie, le selfie ou le texte prédictif de nos vies. Dans ces œuvres, le langage – visuel et textuel – est manipulé comme une matière première, à la manière dont un pigment peut être broyé et mélangé dans l'atelier du peintre. Le matériau d'archive échantillonné crée une tension entre le présent et le passé ; tenir ensemble ces éléments disparates du collage, en suspension, fait partie de la charge de l'œuvre pour le spectateur.
Le travail des trois artistes réunis ici offre au spectateur une rencontre essentielle : des sondages de notre monde qui, par des irruptions de langage en collage, ouvrent un espace de jeu lyrique, génératif et riche de possibles.
~ Andrew Hewish
