Alastair Gordon

« Mon travail est porté par un immense plaisir face aux luttes de la peinture — ce que la peinture peut accomplir et la façon dont elle peut nous arracher aux détritus de la vie quotidienne. » 

Remarquables par une synthèse imaginative et sans égale de simplicité et de complexité, les extraordinaires peintures en trompe l'oeil d’Alastair Gordon transforment de modestes objets de papier en vignettes de mémoire, d’étude et d’évocation. Ruban adhésif, vieilles photographies, bouts de papier et autres éphémères sont agencés puis peints dans un style très réaliste. Ces tableaux subtilement construits recèlent aussi une part d’abstraction picturale, qui rend le style de Gordon unique parmi les peintres. 

L’artiste commence par de petites natures mortes réalisées en atelier. Il dessine chaque jour et s’attache tout particulièrement à observer ce qu’il appelle les détritus de la vie quotidienne – cartes postales, avions en papier et blocs-notes. Ces objets portent les traces d’histoires passées ; parallèlement, l’illusionnisme sert d’outil d’engagement et invite le spectateur à revenir au plan du tableau, à savourer le savoir-faire, la couleur et la profondeur. Pour ses huiles sur bois, l’artiste peint ces objets en léger relief, de sorte qu’ils semblent épinglés ou scotchés sur une surface de bois. Il précise que son approche s’inspire en partie de la peinture illusionniste d’Europe du Nord du XVIIe siècle, et en particulier du « Quodlibet – ce que vous voulez ».

Gordon, pour sa part, utilise sa forme contemporaine de peinture en trompe l'oeil pour aborder des préoccupations actuelles telles que « la contrefaçon, l’illusionnisme et la manière dont les images façonnent notre façon de penser en société. Historiquement, les natures mortes parlaient de la mort et du caractère éphémère de la beauté. Nous avons tendance à trouver ces sujets difficiles à aborder dans la société moderne, et c’est en partie pour cela que j’aime tant travailler la nature morte. C’est une manière d’ouvrir une conversation sur les grandes questions de la beauté, de la mort et du caractère sacré de la vie. Il y a un moment merveilleux où les gens comprennent qu’ils regardent une illusion peinte – une sorte de moment « Ah ! » – qui les pousse à regarder une seconde fois. »

Les sources de l’artiste sont multiples et fascinantes. Outre ses liens avec la peinture de genre et la tradition de la nature morte des XVIe et XVIIe siècles européens, il se souvient qu’adolescent il a travaillé dans un parc à thème, Camelot, dans le Lancashire, où il peignait sur les murs de la cantine des trompe-l’œil de châteaux anciens et de paysages pastoraux. « C’était une sorte de version du folklore anglais qui tient davantage du mythe que de la réalité, ce qu’Umberto Eco appelle l’hyperréalité (un faux authentique). Cela a dû me marquer profondément, car depuis je suis obsédé par cette idée du faux authentique. » Pendant son master, Gordon a également visité des parcs à thème américains comme The Holy Land Experience, à Orlando. « Chaque après-midi à trois heures, Jésus est crucifié sur une croix en plastique, on sert des cupcakes ‘sweet Jesus’, puis il ressuscite à l’arrière d’une moto Harley Davidson. J’ai peint ces parcs à thème, ce qui m’a conduit à une obsession : trouver la chose véritable. » D’autres inspirations viennent encore de la littérature, du cinéma et de la musique. « Mes titres sont souvent empruntés à des paroles de chansons ou à des poèmes. Les références vont de ‘The Wasteland’ de T.S. Eliot à Ferris Buellers Day Off. Pour moi, tout est lié et contribue à la riche tapisserie – ou Quodlibet – de la vie moderne. » 

Rosa JH Berland

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