THE ROAD TO UTOPIA – Commissariat : Rosa J H Berland

Cette exposition présente des œuvres récentes de trois artistes contemporains : Alex McAdoo (États-Unis), Lee Johnson (Royaume-Uni), et Jaime Valtierra (Royaume-Uni/Espagne). Pour ces artistes, l’art est un moyen de renégocier l’identité et un outil de critique sociopolitique. C’est aussi une source du paradisiaque – un espace entièrement inventé à partir du processus artistique subjectif, « une nouvelle église », comme l’a dit un jour l’artiste expressionniste Max Beckmann. Il ne s’agit pourtant pas d’un lieu de douleur, de confession ou d’idéal uniques, mais plutôt d’une série de mondes souvent profondément intimes et d’une somptueuse splendeur, peuplés de protagonistes tourmentés, de symboles ésotériques, et d’une reconfiguration de l’identité et du récit. 

S’appuyant sur des expériences de vie à la fois profondes et ordinaires, les artistes se réfèrent formellement à des chefs-d’œuvre historiques et à des mouvements modernistes canoniques tels que l’expressionnisme, le fauvisme et le cubisme, synthétisant ces influences pour créer une imagerie contemporaine. Au sein de cette approche complexe, McAdoo, Johnson et Valtierra transforment l’imagination en espaces nouveaux. 

Alex McAdoo 

Se distinguant par sa maîtrise de la couleur, de la théâtralité et du geste, les peintures figuratives et narratives de l’artiste invité américain Alex McAdoo explorent et renversent les histoires eurocentrées et les politiques identitaires dans le contexte du climat politique actuel, à travers le prisme des expériences personnelles de l’artiste. La peinture de McAdoo s’empare de vignettes d’images, de souvenirs et de récits historiques pour créer des œuvres qui transforment l’identité : « Je veux que mon œuvre contribue à démanteler le racisme et offre aux minorités qui vivent ce que j’ai vécu un contenu auquel elles peuvent s’identifier et qui les inspire. » Ainsi, des œuvres telles que ‘White Salmon Lodge’ (2019) et ‘Family in Livingston, Guatemala’ (2019) explorent l’identité de l’artiste en tant que personne métisse et ses liens avec de multiples mondes, des lieux qui existent en dehors d’un récit homogène. Le portrait de Livingston de la famille élargie de McAdoo est un assemblage pictural de mémoire et de liens, les coups de pinceau rendant le passage du temps et un lien expérientiel abstrait au récit. Cette abstraction et cette fluidité entre les mondes se retrouvent aussi dans des œuvres récentes comme ‘Verushka’ (2020) et ‘Dancing Over Fallen Statue’ (2020), où des personnes réelles et des créatures élémentaires émergent de couches de pigment. 

Dans un tout autre style, ‘Averroes, Maimonides, Aquinas’ (2019), relecture de la peinture d’histoire par McAdoo, met en scène les philosophes du XIIe siècle Ibn Rushd (Averroès) et Maïmonide aux côtés du théologien et philosophe italien du XIIIe siècle Thomas d’Aquin. La composition équilibre des zones de couleur décoratives et néo-impressionnistes avec un sens théâtral du mouvement. McAdoo juxtapose des détails contemporains, comme des chaussures modernes et le service du café, aux amples robes archaïques d’un philosophe religieux, remettant ainsi en question les notions de continuité et d’identité. Dans ce récit, l’autoportrait se fond dans la scène de genre, rappelant les agencements non linéaires de philosophes historiques dans des tableaux comme ‘L’École d’Athènes’ de Raphaël (1509-11). Ce n’est toutefois pas le lien avec ces précédents qui distingue l’œuvre de McAdoo, mais son aptitude à synthétiser et revigorer les éléments formels avec un sens de la dramaturgie, ainsi que sa manière de recréer le récit d’une voix qui dépasse le point de vue européen dominant sur l’histoire. 

Ce sens du récit, fluide, disruptif et interconnecté, se retrouve aussi dans ‘Gwalior Park’ (2018) de McAdoo, qui représente le jeune artiste avec ses amis se livrant à la « destruction » devant une vue du temple de Chaturbhuj à Gwalior, en Inde. Une clarté ambiante et une étrangeté rappellent le peintre Balthus, notamment dans le traitement de valeurs tonales retenues. Cela contraste avec un sens disjoint du geste qui symbolise à son tour « un sentiment de ne pas appartenir ». Dans ce tableau comme dans d’autres, McAdoo confie : « en plaçant des personnes de couleur dans des vêtements d’apparence religieuse, j’entends contester l’idée que la civilisation moderne a été créée uniquement par des chrétiens blancs d’Europe du Nord. » L’inclusion de ce symbolisme réinterprété et de motifs historiques aux côtés d’images autobiographiques reconfigure le récit afin qu’il s’enracine dans l’artiste et ses expériences de l’identité. 

 

Jaime Valtierra

Comme celle de McAdoo, l’œuvre de Jaime Valtierra commence par une transformation d’images de l’histoire de l’art à travers le processus d’atelier. Dans ses dernières œuvres, l’artiste applique directement la peinture en couleurs audacieuses et intransigeantes, dans un style situé quelque part entre l’expressionnisme et l’imagerie graphique de Jean-Michel Basquiat. Le panneau droit d’un grand triptyque, ‘Unicorn and the Egg’ (2020), affronte « le monde de la fragilité humaine, de l’échec, et l’autre versant de l’imagination et du désir humains qui conduit à croire en des choses impossibles ». Le tableau répond en partie à la peinture du Greco ‘Saint Martin et le mendiant’ (1597-1599) et fait référence au tableau cubiste de Marcel Duchamp de 1912 ‘Nu descendant un escalier n° 2’. Dans ce tableau vertigineux de traces et de récit, on aperçoit la figure de Humpty Dumpty ainsi que la licorne mythique. « Dans l’œuvre, ils se rejoignent tous deux par le concept fondamental de la chute, par lequel seul son exact opposé peut être connu ou compris. Selon ma lecture, c’est le sens originel du tableau du Greco : l’humilité ou la descente comme un acte qui incarne deux figures opposées. » 

 

Le titre du panneau gauche du triptyque, ‘Masters of the Universe’, est un jeu sur l’expression française « jouer des coudes ». Cette peinture de 2020 est issue d’une série de dessins et fait également référence à la gravure de James Gillray de 1797 ‘Midas, Transmuting All into Gold Paper’ et aux dessins de Lucifer de Botticelli pour la Divine Comédie . L’œuvre de Valtierra fonctionne comme une version contemporaine du sujet, le thème du « mal inscrit dans l’ambition humaine et de la monstruosité qui la sous-tend ». Dans les deux panneaux se tisse un dialogue qui oscille entre répulsion et fascination, le familier et l’étrange, une danse picturale et calligraphique du profane et de l’extraordinaire. Cette approche relie l’œuvre de l’artiste à l’imagerie de Philip Guston ainsi qu’aux expressionnistes allemands. 

 

À l’inverse, le panneau central, ‘Dream of the Artist against the Spectre of Time’ (2020), dépeint un monde paradisiaque peuplé d’un défilé apparemment sans fin d’images totémiques. L’artiste précise que le tableau a été inspiré par ‘L’Arbre de vie’ d’Ignacio de Ries (1653). Dans l’image de Valtierra, le rêve du protagoniste central est devenu un royaume pictural, « faisant surgir des notions abstraites du temps et du monde, et des échos contemporains des figures du Christ et de la mort présentes dans le tableau de de Ries ».

 

 

Lee Johnson

Si l’œuvre expressive de Valtierra recèle un rêve étrangement réinventé, les images de l’artiste Lee Johnson nous offrent elles aussi un répit face à un monde troublé. Johnson explore en effet les moments ordinaires de la vie contemporaine comme une utopie, un paradis trouvé dans les replis de l’esprit de l’artiste, un lieu sauvage de rêverie. Les images naissent de mots, d’études de personnes, de photographies ou d’objets de nature morte qui peuvent s’animer au cours du processus ou devenir à nouveau décoratifs et immobiles. L’artiste remarque : « Cette expressivité commence par une approche globalement très ouverte… chaque peinture développe sa propre forme et son propre langage. » Une grande partie des œuvres de l’artiste porte en fait sur la « fabrication de l’œuvre », comme on le voit dans le tableau ‘Sculptor Sculpting’ (2020). Dans cette image, comme dans bien d’autres de l’œuvre de Johnson, le sujet émerge d’un fond nocturne, éclairé par une lumière plate presque artificielle, transformé par le processus artistique de l’expérimentation. 

 

Liées à cette alchimie de la créativité, les scènes nocturnes sont omniprésentes dans l’œuvre de Lee. La nuit est après tout un sujet de prédilection constant des artistes à travers l’histoire, et dans des œuvres telles que ‘The Ceramicist’s Studio at Midnight’ (2020), la nuit devient nécessairement un lieu entièrement imaginé. Dans ces moments nocturnes d’obscurité d’encre, un sentiment magique d’altérité se dégage tandis que l’artiste travaille. Lee confie d’ailleurs que pour lui « les idées prennent davantage vie aux heures plus calmes ». 

 

Dans certaines œuvres de Johnson, les objets symbolisent la dynamique des relations : les chats symbolisent par exemple le rejet des autres, tandis que les œuvres dans l’atelier servent de « substituts aux amis ou à la famille ». Parfois, le traitement par Johnson du premier plan et de l’arrière-plan brouille le symbolisme ou le thème principal, et le spectateur se perd dans l’espace de ses peintures ; un monde plat et ornementé où l’obscurité crée une tension entre décoration et figuration, rappelant l’estampe japonaise et les scènes d’intérieur d’Henri Matisse. En revanche, dans des œuvres néo-expressionnistes comme ‘Dancing on Holiday’ (2020), la main de l’artiste est lisible, les traces de peinture traversent la surface, des teintes profondes et souvent contrastées se superposent aux figures ou aux scènes d’intérieur, ouvrant une fenêtre sur un monde à la fois d’une beauté ornementale et d’une illisibilité imminente. De cette poésie visuelle, Lee confie : « Je ne conçois pas une image ; je me fraie un chemin à tâtons dans la peinture. » 

La peinture est ainsi une route vers l’utopie, forgée au cœur de l’artiste. Dans cette sélection de peintures contemporaines récentes d’Alex McAdoo, Lee Johnson et Jaime Valtierra, on voit que l’art est bien des choses : un lieu de célébration des replis sauvages de l’imagination, la poésie du processus artistique, une négociation de l’identité, et le dévoilement de la tragédie des systèmes politiques et économiques. 

 

Rosa JH Berland

Communiqué de presse :