Birdhouse Blues
Aleph Contemporary 欣然呈现 ‘Birdhouse Blues’，
GORDON DALTON 近作线上虚拟个展2020年5月1日至15日。
Hope among the cynicism.
当我们走近 Gordon Dalton 的画作《Birdhouse Blues》时，我们看到了什么？我们发现了风景画的一些惯用元素：视线越过落叶树，望向看似维多利亚时代的附属建筑，以及标题中那座空荡的鸟舍。远处的这一结构被拉向前方，部分得益于垂直构图与画布的竖幅比例。在树木与建筑之间，空间瓦解为抽象形状与层叠形体的混合，共同构成一个统一的平面。观看 Gordon 的作品时，我发现自己被一个个独立元素吸引，审视空间与形状，试图解读它们的功能以及它们如何影响整幅画作。
当我们试图“解读” Gordon 的作品，或将传统风景的理想套用其上时，画作会予以反击，令人立足不稳，留下一种不安、时而诡异或忧郁的气质。在这幅画中，距离被缩短，画作几乎以布满整张画布的绘画信息冲撞甚至压迫着我们。这种极繁特质让我立刻想以完全抽象的方式看待 Gordon 的创作，但我又以一种令人想起 Pierre Bonnard 作品的方式被牢牢固定在场所之中。
这幅画中所指的鸟笼取材于一个真实的地方——布宜诺斯艾利斯动物园如今已废弃的鸟舍。2016年，Gordon 在阿根廷参加艺术家驻留项目（URRA www.urraurra.com.ar）期间造访了这座已停业的动物园。Gordon 的作品中出现了许多带有自传色彩的真实地点与物品，有时只是隐约暗示，或如半被记起的影子。这些元素会在作画过程中发生变异，视觉母题时而清晰、时而模糊。我们看到后工业时代 Teesside 风景的元素：工厂或许是香烟升起的烟柱、空荡的建筑、人工或天然的水道、鸟类与野生动物，直至冬日光秃的树木。Gordon 早期的作品高度聚焦于这些母题；回顾他过去的作品，我看到一位艺术家找到了自己的主题，并让它与观者角力。这些母题往往带着任何出身工人阶级的艺术家都会背负的社会经济包袱。这些画作原本就是为讥讽艺术界而作——它们不求被喜爱—— 它们追问其中的母题是否有任何价值。从这种被画出的讥讽与尖刻之中，我们看到一位更加自我批判的艺术家；讥讽不再指向外部。我们看到一个人带着某种惶恐在工作，这种惶恐源于对绘画的功能、其重要性与历史日益增长的敬意。
在《Birdhouse Blues》中，我们看到一幅由记忆构建的抽象画。它并不只是为了表达某个空间或地点；其元素变异为能够承载颜料的形与形状，悬挂于表面，颜料的污垢时而闪烁，时而碎裂、粗粝而易错。颜料被涂抹、刮除、擦洗，并被推入画布的纹理。颜料的施用恰如其分地表达了主题与记忆的不足。半被记起的地方不可避免地带着忧郁。在画室中回忆并重新想象世界时，我立刻想到其他以类似方式工作的艺术家，如 Édouard Vuillard、Walter Sickert 或 Edvard Munch。这些艺术家的影响显而易见——我们能在色调、质感与题材中找到参照——但我所想的联系更为本能。当一幅画吸引我时，往往是因为我能感受到艺术家在工作、观看、推进，有时失败。我驻足于那些画家奋力表达某物的作品。我在 Gordon 的作品中看到的正是这种搏斗。我看到一个被真诚投入地反复推拉、经营的表面；一场与不可避免的自我怀疑和讥讽之诱惑缓慢的缠斗。
Liam O'Connor，2020年4月